La Galería Hayward de Londres en estos días está preparando una exhibición que se compone exclusivamente de lienzos en blanco, pedestales vacíos y una gran nada. Invisible: Art about the Unseen 1957 - 2012 se exhibirá del 12 de junio al 5 de agosto y contiene trabajos representativos como la escultura invisible de Andy Warhol o  el lienzo 1000 Hours of Staring de Tom Friedman que les muestro a continuación:

Sobre la peculiar exposición Ralph Rugoff, Director de la Galería Hayward cree que “los visitantes encontrarán mucho qué ver, ya que esta exhibición resalta que el arte no trata sobre los objetos materiales, sino que trata sobre encender nuestra imaginación…”

Yoko Ono, Robert Barry, Chris Burden,  Maurizio Cattelan, Jay Chung, Song Dong,Carsten Höller, Tehching Hsieh, Yves Klein y Roman Ondák son otros de los artistas que tendrán alguna de sus obras etéreas en la muestra.

Yo personalmente veo ese lienzo en blanco y lo que imagino es algo como ésto:

Muchos consideran que ya no existe la originalidad auténtica en el arte contemporáneo y que todo lo que vemos es un reciclaje de ideas pasadas. Pero tampoco hemos considerado que hay un montón de ideas repetidas, que en este caso no sabemos si son brillantes o un absoluto engaño.

Fotos: Laughing Squid y Tyler Edlin

El lado femenino de cualquier hombre es interesante de por sí. Ahora imagínense qué tan divertida puede resultar la labor de retratar el de tiranos, dictadores y papas, seres que practican la homofobia y la misoginia a diestra, siniestra y perpendicular.

El estadounidense Scott Scheidly tiene esta serie de retratos que muestran la cara más girlie de un conjunto de figuras públicas (y autoritarias) del siglo XX. Entre los personajes elegidos por el artista podemos ver a Kim Jong-il, José Stalin, Adolfo Hitler y Juan Pablo II (mi favorito), rodeados por marcos en rosa encendido y accesorios que van de los aretes y los colgantes con brillos a las estolas de animal print color lila.

La clave del experimento está en los personajes: hombres temidos (y también reverenciados), aparentemente viriles (aunque no estoy segura de qué tan viril resulte la indumentaria que acostumbran los papas) y, sobre todo, represores. Su ropa y sus posturas son las mismas que vemos en los retratos convencionales, esos que ellos mismos se mandaron a hacer para inmortalizar su grandeza, sólo que los símbolos de su poder son sustituidos por objetos y colores que representan la hiperfeminidad, y lo hacen de manera muy campante.

No importa qué tan despóticos hayan sido: cualquier tirano se ve simpatiquísimo si está enmarcado por el color rosa, con lentes oscuros en forma de corazón e insignias de mariposas y flores. Una chulada.

La serie estuvo exhibiéndose en la Spoke Art Gallery de San Francisco y llevó por título Retratos: una serie de “fabulosas” imágenes de tiranos, dictadores y papas. Las imágenes son escandalosas, ofensivas para algunos, definitivamente hilarantes. Cada pintura está hecha a partir de una técnica muy similar a la de los retratos oficiales, pero lo interesante en este caso es la provocación. Aunque, a estas alturas de la vida y la apatía, vayan a ustedes a saber si todavía exista quien se inmute.

Nueva York termina mañana con las actividades programadas en La Semana del Diseño 2012: muchas muestras, muchas instalaciones, muchas propuestas, como siempre. Sin embargo, los ecos de un acontecimiento lamentable han estado circulando por los periódicos y la red. El artista japonés Takeshi Miyakawa, quien vive en Brooklyn desde los ochenta, fue arrestado el fin de semana por colocar una instalación en las calles de la ciudad.

Miyakawa preparó un conjunto de bolsas de plástico, iluminadas por dentro, con la leyenda Yo [corazón] Nueva York. Logró colocarlas y hacerlas encender, a manera de tributo a la ciudad. Pero alguien avisó a la policía que la actividad parecía sospechosa y la instalación del artista fue interrumpida por un escuadrón antibombas de la policía de Nueva York. Tristemente, Miyakawa fue detenido y sometido a un examen psicológico.

Lo que intentaba ser una especie de carta de amor a Nueva York fue interpretado por algunos como un atentado. La comunidad artística ha mostrado su inconformidad en Twitter bajo el hashtag #freeTAKESHI y sostiene una campaña de protesta, que consiste en mandar cartas en defensa del artista al Departamento de Policía de Nueva York.

Los niveles de paranoia que estamos alcanzando como especie son alarmantes. Es el colmo que una instalación rayana en la cursilería y movida por buenas intenciones amenace con colocar a un artista tras las rejas.

Fotos: Spoon & Tamago y Designboom

¿Cómo sonarían nuestros tuits si fueran música? ¿Serían estridentes, monótonos, arrítmicos? No estoy segura de cómo serían los nuestros, pero los de los ingleses, por lo pronto, suenan bastante bien. Resulta que existe una herramienta, llamada The Listening Machine que monitorea la actividad de 500 personas a lo largo del Reino Unido, y luego emplea algoritmos para traducir esas palabras (emoticonos incluidos) al lenguaje de la música. La iniciativa reúne el esfuerzo del artista sonoro y programador Daniel Jones, el compositor Peter Gregson y la orquesta de cámara Britten Sinfonia.

The Listening Machine genera una melodía continua en que conversaciones y pensamientos son traducidos a patrones musicales en tiempo real, de manera que podamos escucharlos desde cualquier dispositivo conectado a internet. El proyecto está en marcha desde este mes y terminará el próximo octubre. Además de escucharse en línea, está siendo transmitido por el canal digital de artes de la BBC.

La identidad de los 500 participantes no será revelada sino hasta que la transmisión termine, pues los creadores no quieren que la conciencia de formar parte del experimento modifique el estilo de sus tuits. Los elegidos forman parte campos tan diversos como el arte, los negocios, la educación, la salud, la política, la ciencia, los deportes y la tecnología.

La propuesta es muy atractiva. Y me parece que estaría completa si, al suspenderse la transmisión, además de revelarse la identidad de los participantes, se les preguntara qué tanta concordancia encontraron entre la música generada por sus tuits y las palabras que usaron al redactarlos. Si los sonidos resultantes tienen un gusto similar a los estados de ánimo que generaron ciertas oraciones… las palabras y la música habrían encontrado un insólito punto de contacto.

Algo me queda claro: la música es infinitamente más fácil de asimilar que las palabras. Los sonidos que se escuchan en la página del proyecto son agradables, una se puede quedar escuchando sin aburrirse. Que los tuits que los provocaron se valgan siquiera algo parecido al ingenio… de eso tengo mis dudas.

Foto: Rubén García Mohedano

La llegada de USED Magazine a finales del año pasado emocionó a muchos. Y es que esta publicación bianual creada por la agencia londinense Useful (quienes diseñan el catálogo de Topshop), más allá de ser una revista hermosa representa un diálogo entre la moda y el arte. Puede que esa definición suene pomposa pero, a través de las tres ediciones que ha lanzado al día de hoy USED demuestra ser una propuesta editorial auténtica y, sí, bastante artsy.

Ahora regresa la emoción al lanzarse el sitio USED Online, en el cual podemos tener acceso a sesiones fotográficas, videos, reseñas y entrevistas exclusivas de la revista, las cuales nos invitan a darle clic a todo el sitio. Vemos, por ejemplo, el editorial varonil “Bomb Squad” con fotografía del dúo británico Brendan & Brendan; la entrevista con Tania Theodorou, artista visual griega; y la interesante reseña de Baron Magazine, revista pornográfica. Y si te perdiste las ediciones pasadas, en el sitio también puedes pasearte a través de ellas.

Físicamente USED Magazine se distribuye en alrededor de 12 países, con un precio de 6 libras, pero también puedes comprarla en línea. Una publicación preciosa y sofisticada, digna de coleccionarse. Mientras llegan las que siguen, nos encanta poder entretenernos con su genial contenido virtual.

El artista holandés Parra ha realizado una colaboración con Paul Budnitz (Kidrobot) para realizar una edición limitada y especial de sus piezas. Parra es conocido por sus figuras humanas con cabezas de aves y ahora lleva una de sus creaciones pictóricas en una pieza material. Tan sólo se realizarán un total de trescientas unidades. La figura representa la imagen de dos amantes entrelazados mientras parecen jugar o bailar pícaramente. Esta figura se pondrá a la venta a partir del día 7 de junio en las tiendas de Kidrobot y en algunas tiendas seleccionadas a nivel mundial a $150.

El artista neoyorquino Tom Sachs será igual de terrícola que todos nosotros, pero está dispuesto a explorar el espacio y lo hace de una manera muy peculiar. Su proyecto se llama Space Program: Mars y fue inaugurado ayer en Park Avenue Armory, Nueva York, donde estará abierto al público hasta el 17 de julio.

Sachs se reunió con un equipo selecto para construir una falsa misión a Marte en este edificio de Manhattan. En la instalación podrán verse artefactos típicos de los viajes espaciales: desde las máquinas con que los astronautas se preparan la comida hasta los vehículos que usan para explorar un planeta (el rojo, en este caso).

Este programa espacial trata de la vida en la Tierra, de cómo interactuamos con nuestros recursos naturales, de cómo tomamos elementos de otras culturas y también de lo que les damos.

Otro atractivo de la instalación: Nike lanzó una colección a propósito de la propuesta, y las piezas podrán adquirirse al salir de la misión recreada por el artista. No deja de llamar la atención que Tom Sachs, con ese espíritu reaccionario que lo caracteriza, haya incluido en su propuesta una línea de Nike, icono del espíritu corporativo estadounidense. Sea como sea, la instalación promete.

La artista italiana Monica Bonvicini creó esta enorme pieza para las Olimpiadas 2012 en Londres. El mensaje es sencillo y elocuente. La pieza tiene una superficie reflejante que parece de espejo, muy brillante durante el día. El brillo se intensifica por la noche, pues al oscurecer la superficie se vuelve transparente y se ilumina desde el interior por medio de luces LED.

La artista comenzó a trabajar en esta escultura en 2010. Ahora, que está terminada, se aprecia su concordancia con el paisaje. Es como si su carácter monumental cediera un protagonismo parecido a los demás elementos del parque olímpico: al reflejar todo lo que la rodea, se funde con el panorama. Y la iluminación concuerda con el brillo nocturno de Londres.

Es una linda pieza, enorme (mide 30 pies de altura), básica, lista para recibir los Juegos Olímpicos y posteriormente sobrevivir al paso del tiempo.

No me cabe duda de que los antecedentes de los flash mobs están en las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX. En aquel entonces, el afán reaccionario de escritores, pintores, actores y demás encontraba salida en algo que antes no se había visto y que ellos llamaron performance. No era teatro ni música ni literatura en estado puro, sino una indisciplinada combinación de disciplinas y, estoy segura, el verdadero propósito era escandalizar.

Los años pasaron y performance siguió viéndose a lo largo del siglo XX. Cuando llegó internet, cuando llegaron las redes sociales y los sitios como Youtube y Vimeo, fue más fácil convocar a grupos de personas para llevar a cabo actos públicos y espontáneos, la mayor parte del tiempo con fines de entretenimiento. Estos numeritos se popularizaron bajo el nombre de flash mobs y, en un principio, fueron más o menos sorprendentes. Me acuerdo de aquel homenaje a Julie Andrews en una estación de tren en Bélgica. Con él me pasaba lo mismo que con ciertas series y canciones: me conmovía y me sentía un poco avergonzada conmigo misma por mi reacción. Me curé de dicho efecto con un conjunto de reproducciones consecutivas. Y de eso ya pasaron algunos años.

Los flash mobs siguen plagando la red. Y, en la mayoría de los casos, son desafortunados. Han dejado de parecer sorprendentes, su propuesta padece de ingenuidad involuntaria y, sobre todo, de un optimismo poco genuino y terco, como una opción que nos exige que la tomemos, independientemente de si hay o no convicción. El grupo Improv Everywhere tiene este flash mob llamado Say Something Nice donde un altavoz está listo para que los transeúntes lo tomen y transmitan mensajes exclusivamente agradables. Y está este otro, que ocurrió de manera simultánea en distintas ciudades de Estados Unidos y Canadá, donde un grupo de personas bailan de… ¿alegría? ¿No necesitamos contexto y antecedentes para contagiarnos de tantísima dicha?

Cuesta trabajo creerles. Pero, claro, siempre hay excepciones. La Filarmónica de Copenhague usó el formato para promoverse y promover una estación de radio de música clásica. Técnicamente no se trata de un flash mob porque la interpretación no es del todo espontánea, el audio y la edición del video hacen del él un producto mucho más pensado. Pero el resultado es bueno, sobre todo porque no se siente en él la sombra de la felicidad forzada.

Tal vez sea momento de comenzar a emplear esta manifestación ¿artística, cultural? como un recurso y no como una propuesta por sí misma. Si el arte no transgrede, está dejando de cumplir con una de sus funciones principales. Y hace tiempo que los flash mobs dejaron de transgredir. Si alguna vez fueron arte, esa época está muy lejos del presente. ¿O qué opinan ustedes?

Foto: Sofia Dance Week

Nuestros abrigos, camisas, calzones, vestidos y zapatos se ven lindos por fuera, pero ¿cómo lucen por dentro? Esta pregunta es contestada por el fotógrafo británico Nick Veasey el cual presenta una serie enfocada en prendas y accesorios fotografiados con rayos X.

No es la primera vez que Veasey utiliza esta tecnología que regularmente solo vemos en hospitales y aeropuertos. Este artista ya es reconocido por sus series de insectos, flores, juguetes, máquinas y crustáceos sometidos a este peculiar proceso fotográfico que arroja resultados increíbles. La idea de usar rayos X en su obra provino de manera accidental hace algunos años. Entonces, el chico salía con la hija de un trailero que transportaba miles de latas de sodas, y una de ellas contenía un premio con valor de 100,000 libras. Nick rentó una máquina de rayos X para encontrar la lata ganadora y aunque no lo logró, esto fue lo que le dio la idea que impulsaría su carrera.

En esta serie, Veasey demuestra que, a pesar de lo que se cree, la moda no se trata solo de apariencias. Los artículos que vemos son comunes, collares, calcetas, tacones y boxers que al ser sometidos a los rayos X de las máquinas industriales muestran una nueva forma de belleza en cada botón, costura y pliegue. Debido a la radiación Nick no puede fotografiar a seres humanos, pero cuando un modelo es requerido, utiliza esqueletos en trajes de hule o cadáveres donados a la ciencia. No todo puede ser agradable.

A través de su obra, Nick Veasey descubre el mundo desde adentro, recordándonos que hasta los objetos más comunes son sorprendentes.

Recordarán al fotógrafo alemán Helmut Newton por su trabajo en Vogue y por sus fotos de desnudos femeninos (sugestivas, a veces misteriosas o casi perturbadoras). Tal parece que sus imágenes están de gira, pues últimamente se han presentado en distintas ciudades del mundo (Berlín, París, Dallas). Es el turno de Los Ángeles. La exposición Helmut Newton: Sex and Landscapes llegará muy pronto a la galería Perry Rubenstein, donde un conjunto de fotografías de gran formato serán las protagonistas de lo que, además, será la inauguración de este espacio.

La exposición, creada con ayuda de June Newton, esposa y colaboradora del fotógrafo, muestra 20 de sus célebres fotos de desnudos. Las imágenes son mundanas y distinguidas al mismo tiempo, abordan diferentes grados de desnudez y en ellas las modelos adquieren posturas que van de la seducción a la emulación de la estatua. Ah, y también será posible ver paisajes distintos.

Es interesante que estas imágenes se exhiban en Los Ángeles, una ciudad donde Newton vivió y produjo gran parte de su trabajo, y también donde murió trágicamente.

La exposición estará abierta a partir del primero de junio, en la galería Perry Rubenstein Gallery (1215 N. Highland Avenue). Parte del contenido va más o menos así:

Fotos: Extravaganzi, Metropolitaine, Berkeley Library, Vivid Fluxury

¿Qué pasaría si el chocolate Toblerone, las papas a la francesa de McDonalds o la tarjeta American Express de pronto perdieran su tipografía, sus símbolos y su color? ¿Seríamos capaces de reconocer estos productos tan solo por sus formas? ¿Nos son tan familiares para distinguirlos en su versión más básica?

Ese es el reto al que nos enfrenta Andrew Miller en “Brand Spirit”, un proyecto en el que los productos más populares se ven privados de sus elementos visuales más representativos, convirtiéndose así en items genéricos (o no). Por 100 días, Andrew pintará un objeto completamente de blanco, le tomará una fotografía y la compartirá en su sitio. Todos los productos utilizados en este proyecto cuestan menos de 10 dólares.

“Brand Spirit” es un proyecto en proceso así que aún quedan muchos productos a los cuáles Andrew les robará su identidad comercial. ¿A cuántos de los que ya se han trabajado reconoces?

En 1837 tal vez nadie hubiera imaginado que la tienda de artículos para montar de Thiery Hermès un día se convertiría en la empresa creadora de algunos de los accesorios de cuero más icónicos del siglo XX. Pero así fue y hoy, 175 años después, la marca francesa celebra su vigencia y consolidación como sinónimo del lujo y de la maestría artesanal con la exposición “Forever Leather”, una muestra del impecable trabajo con el noble material que Hermès ha sabido hacer su sello a través del tiempo.

La exhibición que se llevará a cabo en Londres no solo presentará algunos de los diseños más famosos de la marca-la bolsa Kelly y la Birkin en primera fila-, también alojará otros creados especialmente para la muestra por artistas como Alexandra Plat. Además, se le dará su lugar a los artesanos de Hermès, mismos que se desplazarán al lugar para mostrar en persona cómo se fabrican algunas de estas piezas exclusivas.

Cuatro bolsos únicos fueron creados expresamente para esta exposición, cada uno de ellos representando a un país diferente: Inglaterra, Irlanda, Escocia y Gales. Estos finos accesorios serán subastados en Christie’s al final de la muestra y el monto recaudado será donado a la Real Academia de las Artes de Londres.

Los fanáticos de la moda ecuestre, de las bolsas statement, de los accesorios de lujo, de lo hecho a mano y del cuero serán muy felices en esta exposición abierta al público del 8 al 27 de mayo de 2012, en Burlington Gardens.

En marzo se cumplió un año del tsunami que provocó una fuga radiactiva en Fukushima. Los planes de reconstrucción y limpieza continúan, pero también las radiaciones. Un interesante testimonio de ello puede verse en Fukushima-Diary, un blog que evidencia las condiciones de peligro en la ciudad al más puro estilo Instagram.

La idea se le ocurrió al rapero japonés Deli, miembro del grupo Nitro Microphone Underground. Durante meses, él y sus amigos han estado monitoreando las radiaciones en contadores Geiger y posteando los resultados en Instagram, con los correspondientes filtros vintage. Se llaman a sí mismos “Gamma Watch Squadron” y se proponen documentar la radiactividad de la manera más cool posible.

Pareciera que los contadores son los protagonistas de las fotos, pero en ellas también pueden verse niños jugando, tiendas de diseño, gente que conversa tranquilamente sobre el pasto y, en ocasiones, a Deli y sus amigos, usando trajes de seguridad. El resultado de los contadores, la gente que parece despreocupada y el vestuario de los integrantes del escuadrón crean una combinación que va de lo hipster a lo apocalíptico. La idea parece trastornada, y lo es un poco, pero documenta la realidad y posee la estética de estos tiempos.

En los hoteles boutique se ve de todo. Los apasionados del concepto seguramente querrán asomarse al Au Vieux Panier, un hotel francés situado en el distrito de Marsella, que anualmente solicita a cinco artistas y diseñadores que intervengan respectivamente sus cinco habitaciones. Yo vengo a mostrarles la participación del aclamado grafitero Tilt, originario de Toulouse y autor del libro Photograffitiltism.

El cuarto al que le echó mano lleva por nombre Panic Room, no con la intención de amenazar a los huéspedes más tímidos sino de subrayar el contraste logrado con el trabajo de Tilt. En las fotos podrán ver que la mitad de la habitación es absolutamente blanca, limpia, con detalles mínimos, mientras que la otra está inundada de colores, formas, palabras y gráficos propios del grafiti. El contraste es asombroso y muy atractivo. El límite entre lo impecable y lo escandalosamente urbano es tan llamativo que pareciera un truco visual, pero el cuarto luce tal como lo vemos en las imágenes.

Para llevar a cabo el trabajo, Tilt solicitó la colaboración de sus amigos Tober, Grizz y Don Cho. Seguramente fue divertido, seguramente sería interesante pasar una noche en esa habitación, tan distante de la línea de las demás con que el hotel cuenta.

¿Qué fue de todos los discos floppy en donde se almacenaban los datos hace años? ¿Hace cuánto tiempo que no los vemos y a dónde fueron a dar? Algunos de ellos están en los retratos de Nick Gentry, un artista londinense cuya producción se relaciona con materiales y artefactos que recibe del público. Su técnica consiste en reunir estos discos viejos, colocarlos sobre un lienzo de madera, y darles forma de rostros humanos con ayuda del pincel. El resultado es enigmático y ofrece una visión del futuro a partir de elementos en desuso.

El artista intenta crear un vínculo entre las personas que le envían los discos, su propia labor creativa y el observador. Su arte está influido por el desarrollo del consumismo, la tecnología y la cibercultura, con especial interés en los medios obsoletos. En los retratos, podemos ver palabras escritas sobre los discos, un elemento que no sólo contribuye a la estética visual sino que habla de una visión colectiva del mundo.

Desde que comenzó con su proyecto, Gentry ha llevado a cabo una labor de recolección y reciclaje. La mayor parte de los discos llegan a él mediante un sistema de intercambio: en su página web, solicita que se le envíen cajas con tecnología obsoleta para que sea transformada en arte. A cambio, él envía un regalo en agradecimiento. ¿Será ese regalo uno de estos cuadros? Porque a mí me encantaría tener uno.

El trabajo de Gentry se ha exhibido junto con el de artistas callejeros y se relaciona con la escena urbana de Londres. Actualmente presenta una exposición individual llamada Collective Memory, en la Robert Fontaine Gallery de Miami.

Si los talentosos sastres de la marca italiana Brioni son capaces de crearle un traje a la medida a una mano, no hay duda de que pueden hacerte uno a ti. De eso trata “Handmade”, título de este genial video creado por los artistas holandeses Lernert & Sander para la edición de agosto 2012 de la revista Wallpaper. En este divertido clip vemos que se está diseñando un atuendo sartorial diminuto, mismo que luego es modelado por una coqueta extremidad que disfruta posando para la cámara como toda una pro.

El video de menos de dos minutos nace del ingenio creativo de Lernert Engelberts y Sander Plug, dúo artístico que desde el 2007 se ha dedicado a la creación de anuncios, documentales e instalaciones tan artísticos como comerciales. Su trabajo ha participado en festivales por todo el mundo y entre sus clientes se encuentran marcas como Kenzo y Selfridges, y revistas como Elle, Fantastic Man y Butt Magazine. La producción del clip estuvo a cargo de la compañía londinense White Lodge.

“Handmade” se estrenó en la exhibición de Brioni HQ durante el Salone Internazionale del Mobile 2012, efectuado hace una semana de Milán.

Una noche en los bosques de Norfolk suena atractiva de por sí, pero si además la completamos con un hospedaje circense y aéreo, la cosa se vuelve más interesante. No creí que algo así existiera, pero existe. Hablo del Air Hotel, un servicio de hospedaje dinámico basado en nueve habitaciones flotantes que pueden alquilarse por una noche. No son tiendas de campaña ni casas construidas sobre los árboles, sino vainas o capullos con diseños tan poco comunes que podríamos jurar que salieron de algún cuento fantástico.

El concepto se denomina Mobil Life Art y se debe a Time Circus, un grupo de artistas belgas que se inspiran en la fantasía y las artes circenses. Cada habitación-capullo es diferente, algunas están suspendidas en el aire (cuelgan de las ramas de los árboles) y a otras se accede mediante escaleras móviles. Todas tienen camas que parecen acogedoras, sábanas de lino y un “diario nocturno” donde los huéspedes deben escribir sus sueños y sus experiencias. Pero eso no es todo: el asunto es que el personal del hotel ofrece actos de circo y un room service aéreo que puede consistir en canciones y hasta poemas.

La idea es una combinación de performance, absurdo y contacto con la naturaleza, un concepto más cercano al espectáculo que al servicio de hospedaje. Los capullos se ven cómodos, pero creo que en este caso la comodidad es lo de menos. Una experiencia que tendré que probar.

Fotos: The Telegraph

No tienes que ser amante de la comida japonesa para apreciar la belleza de Design Nori, una serie de hojas de alga marina con diseños intricados cortados con láser. El proyecto fue desarrollado por la agencia de publicidad I&S BBDO para la tienda Umino Kaisouten, en Japón. Su principal objetivo era el impulsar la venta de hojas de alga, debido a la baja en el consumo a partir del tsunami que afectó al país asiático el año pasado. Sin embargo, las delicadas creaciones ya tienen fans por todo el mundo, muchos de los cuales difícilmente nos atreveríamos a comerlas.

La colección de Design Nori cuenta con cinco diseños que simbolizan elementos tradicionales japoneses: “Sakura” (flor de cerezo) representa belleza; “Mizutama” (gotas de agua), buena fortuna; “Asanoha” (cáñamo), crecimiento; “Kikkou” (carey), felicidad; y “Kumikkou” (caparazón de tortuga), longevidad.

Si piensas viajar a Japón pronto, date una vuelta por el Museo Mitsubishi Ichigokan de Tokio, pues éstas piezas de arte comestible estarán en exhibición hasta el 27 de mayo de este año. Por desgracia, Design Nori está a la venta únicamente en dicho museo y en Umino Kaisouten, a un precio de 840 yenes (11 dólares, aproximadamente). Habrá que esperar a que los creadores se animen a ponerlas a disposición del resto de nosotros; ya estoy en la fila.

Para envolver regalos, para sostener pósters en la pared, para pegar billetes rotos: la cinta adhesiva tiene un sinfín de usos prácticos. Ahora, también le conocemos sus usos artísticos.

Johan Rijpma es el creador de “Tape Generations”, video protagonizado por decenas de cintas transparentes que toman vida ante nuestros ojos gracias a la fuerza de gravedad y a un maravilloso trabajo de edición. El joven artista holandés trabajó en este proyecto por alrededor de 6 meses probando distintas composiciones; algunas de éstas tomaron hasta 12 horas en desarrollarse. Como él mismo explica, el plato donde se llevó a cabo toda la acción lo giró a mano, a razón de unos .4 grados cada 30 segundos. Esto significa que Rijpma dedicó horas a mover un objeto casi imperceptiblemente, acompañado solo por el sonido de las cintas despegándose. Eso es amor al arte.

La complejidad de este video fascina. Se trata de 2 minutos y medio en los que las cintas nos muestran un espectáculo equiparable al del nado sincronizado que luego se convierte en película de ciencia ficción. En algún momento el grupo avanza hacia el espectador, lento y amenazante. Aunque la simetría de las composiciones está bien calculada, cada una de las cintas cumple su destino final, a su tiempo. Esto no estropea el clip, sino que lo hace más bello e impredecible. Después de todo, así es la vida.

Acabo de encontrarme con que existe esta nueva publicación originaria de Los Ángeles, Installation Magazine, una revista en formato digital que muestra obra de artistas emergentes y reconocidos. Creada por A. Moret, director literario, y Field Sells, director creativo en Installation Media, le apuesta a la digitalización del arte contemporáneo a partir de un diseño interactivo. El medio, de entrada, es innovador y puede funcionar como gancho, pues se trata de una revista especialmente diseñada para ser leída desde el iPad.

Por lo pronto sólo se ha editado un número, pero la idea es que Installation Magazine se publique cuatro veces al año. Sus contenidos abordan la obra de artistas de diversas nacionalidades, aunque se involucra también con otros temas: entretenimiento, diseño, moda, literatura, foto e incluso artículos de colección. Los creadores explican el concepto en la semblanza de iTunes (donde es posible descargar la revista de forma gratuita):

Yuxtaponemos un análisis profundo con una dirección de arte y un conjunto de fotos viscerales, lúcidas e imaginativas. Cada número gira al rededor de un tema crítico-analítico que ayuda a los lectores a desarrollar su instinto y su sensibilidad estética.

Encuentro muchos aciertos en la propuesta: que sea totalmente digital, que la cubierta parta de un video y no de una imagen fija, que el primer número esté dedicado a California, que el segundo número prometa ser casi filosófico. Sin embargo, me resulta algo incómodo (y poco convincente, dadas las características de la propuesta) que la publicación no pueda leerse en otros dispositivos además del iPad o el iPhone.

Hoy en día es difícil relacionar a MTV con el arte. Sus series, reality shows y videoclips se inclinan más hacia lo trivial o escandaloso que hacia lo elevado o cultural (y no me refiero a la cultura pop). Sin embargo, hubo una época en la que este canal aderezaba su contenido con colaboraciones especiales de artistas como Richard Prince, Keith Haring y Doug Aitken.

Retomando ese camino, MTV resucita “Art Breaks”, una serie de piezas de video-arte creadas por artistas visuales emergentes, la cual fue lanzada por primera vez en los ochenta. El regreso de este proyecto cuenta con la curaduría de MoMA PS1 y Creative Time, y en su primera entrega lanza cinco videos experimentales a cargo de Jani Ruscica, Mickalene Thomas, Rashaad Newsome, Tala Madani y Mads Lynnerup.

Estos clips serán presentados durante todo el año en un formato parecido al de los anuncios comerciales; podrás encontrarlos tanto en su canal como en su sitio, en Facebook y en Tumblr (que incluye algunos de los clips vintage). Se espera que unos 600,000,000 espectadores puedan ver estos vídeos.

Así es como MTV vuelve a ser una plataforma que apoya a artistas jóvenes con ideas frescas. Habrá que ver cómo los recibe su audiencia actual, acostumbrada a bromas pesadas, adolescentes embarazadas y Snooki.

“¿Por qué a la gente cool no le gusta la poesía?”, se preguntaba una amiga una vez. “La poesía no es cool, jamás será cool”, le contestó un lingüista y traductor del árabe que además es poeta. Seguramente habrá, sin embargo, gente cool que sí lee y se involucra con la poesía. Y gente no cool también. Hay de todo. El asunto es que las palabras tienen poderes, y el cometido de la poesía es recordárnoslo mediante la transgresión del lenguaje y la gramática. Porque de eso se trata: de nombrar lo innombrable a través de construcciones imposibles pero, ay, trascendentes.

En ese sentido, la propuesta de code {poems} me parece válida. Este proyecto intenta hacer poesía, poemas, empleando el lenguaje que usamos para comunicarnos con las computadoras. El código abarca una semántica y una sintaxis muy particulares y, tal vez, capaces de hablar por sí mismas. El resultado promete una estética que va más allá de las palabras y adquiere repercusión visual.

La idea se le ocurrió a Ishac Bertran quien intenta reunir un conjunto de textos compuestos desde el lenguaje de programación:

Como los escritores y los poetas, los programadores tienen un estilo propio que incluye estrategias para optimizar los códigos que habrán de ser leídos por las computadores y que facilitan su interpretación a través de una organización visual y los comentarios de otros programadores.

Definitivamente, tengo que ver el libro cuando esté listo. Y no serán éstos los primeros poemas crípticos de la historia, en el supuesto caso de que verdaderamente sean poemas. ¿Les gusta la idea? Si es así, les cuento que cualquiera que esté interesado (y conozca el lenguaje) puede enviar su escrito. ¿Acaso eso no sería cool?

Del violeta al rojo, pasando por azul, verde, amarillo y anaranjado, el ojo humano es capaz de captar una infinidad de tonalidades que son una fuente importante de información más o menos conciente sobre lo que nos rodea. La percepción del color y formas puede ser el origen de proyectos artísticos, desde sencillos a sumamente elaborados.

Landscape Palettes

Cuando miramos una fotografía, ésta nos transmite información más allá de lo retratado: la impresión que nos devuelve también viene dada por sus tonalidades predominantes. Para extraer la esencia de una imagen, con simplificarla y reducirla conseguimos la paleta de colores que la compone. En Landscape Palettes puedes enviar una imagen para que crean su versión cromática, o bien crearla tu mismo.

MovieBarCode

Si en vez de resumir una imagen en una paleta de colores, se aplica a una secuencia de imágenes, entiendase una película, el resultado es MovieBarCode: la secuencia de cada frame condensado en un píxel nos devuelve unas bellas imágenes abstractas que nos permiten captar la esencia cromática de la filmación, algo de lo que no somos quizás plenamente concientes mientras la vemos pero sin duda nos influencia en cuanto a la percepción que guardamos de ella. ¿A qué película te recuerda la siguiente imagen?

Cinemetrics

Más allá de la estática de la cromática, Frederic Brodbeck ha desarrollado Cinemetrics, un programa que permite recrear la huella digital de una película: no sólo nos aporta otra experiencia visual de un largometraje, sino además nos brinda información acerca de ella, como sonido, estructura, movimiento. Estos datos permiten analizarla y realizar comparaciones entre sí como original Vs. remake, películas de un mismo director, filmaciones de contemporáneas de una época, etc. creando una infinidad de visuales únicos.

Fuente imagen spectrum

Amélie Charroin y Marie Colin-Madan tienen mucho en común. Ambas son francesas, estudiaron diseño textil y nacieron en 1984. Con ese número bautizaron Milleneufcentquatrevingtquatre, la marca que desde 2010 ofrece obras de arte moderno en forma de delicados pañuelos de seda.

Es imposible pasear por sus tres colecciones sin desear más de lo que podemos pagar, pues cada mascada se vende en alrededor de 235 euros. Hay quien puede pensar que es un precio excesivo a pagar por un pedazo cuadrado de tela, pero no olvidemos que se trata de piezas únicas, manufacturadas a mano, de tamaño masivo (130 x 130cm), con diseños de ensueño que a ver si consigues en tu Zara más cercano.

Los bellos estampados son obra de ambas chicas, quienes se jactan de tejer, imprimir y manufacturar todos sus productos en Rhône-Alpes, Francia. En el diseño de cada pieza se mezclan distintos procesos como el dibujo, la pintura y el fotomontaje.

Aunque el surrealismo, las figuras geométricas y la naturaleza forman parte de la mayoría de sus motivos, cada colección es diferente. Así, “Desertshore” (Primavera/Verano 2011) evoca espacios deshabitados usando escenarios montañosos y fondos estelares; “φοινιξ” (Otoño/Invierno 2011) presenta escaleras, aves y fuego en cuartos vacíos; y “Nabi Boubou” (Primavera/Verano 2012) nos regala paisajes naturales y artificiales con pincelazos de acuarela.

Puedes comprar Milleneufcentquatrevingtquatre en tiendas en línea como Totokaelo y Frances May, así como en otros locales físicos alrededor de Europa, Japón y Estados Unidos. La marca tiene blog; si no sabes francés ni te preocupes, que es casi exclusivamente de imágenes.