La iluminación es uno de los elementos más importantes en una decoración acertada. Además, es importante que las lámparas luzcan bien no sólo cuando están encendidas (no olvidemos que se trata de objetos decorativos). En ése y los demás sentidos, las cuerdas luminosas del diseñador francoalemán Christian Haas, funcionan. La colección se llama Ropes y fue lanzada apenas el año pasado.

La idea era crear lámparas en forma de cuerdas para decorar espacios interiores en casas o departamentos pero, poco después del lanzamiento, estas peculiares lámparas han sido usadas para instalaciones, aparadores y otras propuestas relacionadas con el arte y la moda.

El aspecto de las cuerdas luminosas es suave a la vista y el tacto. Son flexibles y están hechas de un material que repele el polvo. La fuente de luz es LED y se encuentra en el interior. Encendidas, crean una atmósfera agradable; apagadas, son un objeto de diseño que confiere identidad.

La colección consta de diversas piezas, todas con diferentes técnicas en los nudos, todas numeradas y hechas a mano.

¿Se imaginan comer o departir sobre una mesa que parece una tela blanca movida por el viento? Esta mesa flotante (o mesa fantasma) es una propuesta exclusiva del laboratorio de arquitectura y diseño Graft, con sede en Los Ángeles. No sabemos si está a la venta o si sólo fue empleada para alguna de las tantas exposiciones de este equipo de artistas, pero su aspecto es alucinante.

La mesa flotante de Graft es una paradoja blanca: es minimalista pero no su diseño no se basa en líneas rectas; crea la ilusión del movimiento, como si alguien hubiera “congelado” el tiempo y las formas mediante una fotografía de tres dimensiones. No tiene patas (lo que provoca el efecto flotante) pero se erige sobre el suelo. Está confeccionada en fibra de vidrio y su grosor es de sólo seis milímetros.

En 1998, Graft comenzó a existir en Los Ángeles. Los encargados fueron tres arquitectos alemanes, aunque el número de colaboradores del laboratorio ha ido creciendo con los años. Actualmente, Graft cuenta con oficinas en Berlín y en Pekín.

La sostenibilidad está más que nunca a la orden del día; cada día oímos hablar más a menudo de emisiones cero y energías renovables, la alternativa de futuro a los combustibles fósiles: una de las causas más importante de polución y efecto invernadero son las sustancias altamente contaminantes emitidas por los coches tradicionales. Esta concienciación y preocupación creciente por el medioambiente se traduce por un cambio de mentalidades y la modificación de los hábitos de transporte, que ha visto el auge del vehículo de emisiones cero en ciudades. Un ZEV (Zero-Emissions Vehicle) es un vehículo que no produce sustancias dañinas para la salud y el medioambiente, como por ejemplo la bicicleta y el coche eléctrico. La marca de automoción Renault es una de las pioneras en cuanto a política medioambiental y desde hace más de 15 años, procura reducir al máximo la huella ecológica de su empresa, tanto a nivel de producción como de sus productos. La última apuesta de la marca es una gama de vehículos eléctricos: Fluence Z.E., Kangoo Z.E. y Twizy que saldrán al mercado a principios de 2012.

Anoche se inauguró en el espacio cultural Matadero de Madrid la Twizy Parade, con motivo de la presentación de este nuevo pequeño biplazas en tándem, práctico y ágil, de diseño elegante. La exposición acoge a 20 maquetas de Twizy a escala 1:1 decoradas por 20 jóvenes e internacionales artistas de El Ranchito, un proyecto de investigación, creación e innovación promovido por Matadero Madrid que explora alternativas a los formatos convencionales de exhibición. Durante diez días, Abdul Vas, Carlos Maciá, Daniel Silvo, Françoise Vanneraud, Gabriela Bettini, Haritz Guisasola, Javier Lozano, Jordi Ribes, Juan López, Juan Zamora, Julio Falagán, Luis Úrculo, Maite Camacho, Miren Doiz, Monoperro, Nano4814, Raúl Díaz Reyes, Santiago Giralda, Darío Peña y Txema Maraví plasmaron su arte en la Nave 16, bajo la mirada de los visitantes que pudieron seguir el proceso creativo de los artistas.

La exposición, que se podrá visitar hasta este domingo 27 de noviembre en Matadero, saldrá después a la calle durante la primera quincena de diciembre y se podrá ver algunas de sus piezas en lugares tan emblemáticos de Madrid como el Paseo de Recoletos, el Mercado de San Miguel, Chueca o el Mercado de Fuencarral. Una de las piezas que me llamó especialmente la atención fue “Autopromoción” de Javier Lozano, un joven artista de Albacete (España). En un inteligente jugo de palabras: automoción/promoción, y entiendo el “auto” como soporte de “promoción” personal, su intervención consiste en un escaparate de su trabajo, empapelando el modelo con obras suyas, e incluyendo en un lugar visible todos sus datos de contacto: sin duda más de unos se habrá quedado con su nombre. También muy llamativa, la obra de la francesa Françoise Vanneraud, transformando Twizy en un curioso y flashy flamingo fucsia texturizado, que puedes ver a continuación en la galería de imágenes.

Con una incursión en el mundo del arte, la Twizy Parade es un formato original de dar a conocer este nuevo vehículo eléctrico que saldrá en marzo a la venta en España, aunque ya se pueden efectuar reservas desde hace unos meses. Con un precio de lo más asequible: a partir de 4.917€ (US$ 6,510), una autonomía de 100 Kms para 3h30 de recarga, y la agilidad de las dos ruedas pero con la seguridad y confort de las cuatro, el Twizy de Renault ilustra perfectamente el lema “Drive the change” de la marca, que apunta a ser líder en la movilidad sostenible al alcance de todos.

Probablemente los amantes de la música se queden de a cuatro cuando les muestre esto que me acabo de encontrar. Muchos puristas de la música definitivamente lo harían y es que no se si les ha tocado ver que desde hace algún tiempo para acá, los coleccionistas o más bien dicho, los melómanos de hueso colorado han vuelto un poco a los orígenes musicales haciendose de viniles que escuchan en tornamesas que de igual manera ya se operan de manera digital pero siguen dando esa fachada vintage o de antaño.

Confieso que desde hace tiempo traigo la misma inquietud por hacerme de un equipo así para poder escuchar musica en esos viniles que le dan un toque distinto a la música. Imagínen escuchar a Yes o a Styx o a Passport en una tornamesa con un buen Home Theater. Ok, ya, me concentraré.

Si también cuentan con los mismos sueños que yo y los llevan a la práctica, les voy a dar un tip bastante bueno que me encontré para exponer las portadas de nuestros viniles como si fueran cuadros de los que podemos colgar en la pared. ¿Cuál es el plus? Que al mismo tiempo que formamos una galería o una pared de discos favoritos, estamos protegiendo los viniles y sus contenedores.

La idea es muy sencilla pero bastante eficaz. Solo tienen que abrir el compartimiento o el área donde se pondrá la portada que ustedes ya han adquirido, ponerla dentro y después cerrarla. Otra cosa interesante es que pueden ir intercambiando las portadas que deseen. Se me ocurre que tal vez pudieran poner todos aquellas portadas que sean de color morado y dos días después, todas aquellas que tengan el busto de alguien en portada o ¿qué tal poner todas con la temática de frutas? Estaría interesante, ¿no creen?

Cada uno de estos marcos cuestan £39.00 y también existe una presentación en la que pueden adquirir tres por £99.00. Incluso si quieren el vinil incluido, también pueden ordenarlo.

El vanguardismo o dicho de manera más chic, Avant-Garde, se manifiesta a través de varios movimientos que abordan la renovación del arte preguntando por su función social, tratando de desplegar y crear recursos que quiebren o destruyan los sistemas más aceptados de representación artística, en teatro, pintura, literatura, cine, arquitectura o música, entre otros. El término avant-garde, se utilizó para denominar, las llamadas vanguardias históricas desde un punto de vista artístico. Estas son una serie de movimientos de principios del siglo XX que buscaban innovación en la producción de las bellas artes.

Herb Lubalin, uno de los diseñadores más prolíferos de los Estados Unidos de Norteamérica del siglo XX, diseñó la tipografía Avant-garde para una publicación del mismo nombre. En sus orígenes este tipo fue modelado únicamente para el logotipo de la portada y no con la intención de ser comercializada pero Lubalin comenzó a recibir solicitudes de la fuente y la transformó en una tipografía completa en 1970. Actualmente se ha vuelto un ícono del movimiento y es mundialmente reconocida a pesar de que la publicación ceso sus números en 1971.

La primera vez que se usó esta tipografía sería la única vez que se usara correctamente. Se ha convertido en el tipo más quemado de la historia.

Aprovechando este ícono, el artista Damin Roach ha creado esta escultura a base de madera y acero sobre una sencilla base la cual se apoya por completo en el efecto visual dependiendo de la posición o ángulo en el que nos encontremos. El artista, estudiado en varias escuelas de Londres y que ha seguido preparándose actualmente, ya ha montado varias exposiciones tanto en conjunto como en solitario. Cuenta con un gran curriculum que pueden observar en su página web.

Esta escultura se me hace increíble y por supuesto que la tendría en exhibición en mi departamento de poder adquirirla a la de ya o también podría ser una pieza para alguna agencia de publicidad o algo por el estilo. Lindo, ¿no creen?

Después de hablar tanto y tanto sobre la técnica de papiroflexia japonesa, ya es hora de presentar alguna propuesta relacionada con el
origami que sea comestible y, además, de forma que todo el mundo pueda hacerlo desde casa, sin tener que ser sofisticado ni tener un máster en cocina experimental. Se trata de una sencilla manera de elaborar un pastel en forma de origami si tienes maña con el arte del paper fold.

Se trata de una creación de la diseñadora francesa Charlène Fetiveau, quien ha aprovechado su pasion para doblar el papel y hacer obras artísticas de lo más impresionantes para crear un molde de papel sulfurado y doblado en forma de acordeón para que, rellenándolo de masa y cociéndolo al horno, se convierta en un divertido pastel de origami.

La verdad es que, además de este apetitoso pastel, Charlène es una auténtica experta en el arte del papel y todos sus derivados. En su blog, podemos ver creaciones de distintas formas y materiales, desde el papel más frágil hasta una instalación enorme hecha de cartón o una ligera lámpara para decorar el salón.

Os recomiendo que, además de visitar la web de Charlène Fetiveau, echéis un vistazo a Upon Fold, un blog dedicado al arte del papel y las distintas formas de hacer arte con él, veréis impresionantes figuras dignas de ser expuestas en cualquier museo.

El modo más fácil de crear la percepción de profundidad en el cerebro es proporcionando a los ojos del espectador dos imágenes diferentes, representando dos perspectivas del mismo objeto, con una desviación menor a las perspectivas que ambos ojos naturalmente reciben en la visión normal.

Sin necesidad de lentes especiales, lentes polarizados, prismas, lentes con micas rojas y azules y todos esos artilugios que nos ayudan a captar las imágenes estereoscópicas o 3D, las pinturas de Theo Prins solo requieren que hagamos bizcos.

El truco es sencillo, hay que fijar nuestra vista en el centro del par de pinturas. Coloque su dedo (yo lo intercambié por una pluma) entre la pantalla y la vista. Sus ojos deben centrarse en el dedo u objeto haciendo que se cruce la vista en el típico bizco. Vaya ajustando la posición de su dedo u objeto hasta que las imágenes quieran sobreponerse una con la otra. Si lo hacen correctamente, verán tres imágenes en la pantalla. La imagen del centro contará con la profundidad y las dos imágenes externas no. La parte más difícil, en realidad, es quitar el dedo u objeto y continuar enfocando la pantalla sin descruzar los ojos. Al principio será difícil y todo lo percibirán borroso, pero la vista se puede ir entrenando para poder lograr este efecto.

El artista Theo Prins, residente de Washington, es uno de los pocos artistas que realizan imágenes estereoscópicas que también funcionan como 2D. La técnica es sencilla según él. Después de hacer una pintura digital, Prins crea una copia de esta para cambiar ligeramente la perspectiva con Photoshop. Pero no es tan sencillo en realidad, Theo requiere aislar cada elemento de la pintura en capas separadas (hasta 400 capas para una imagen). Después, cada una de estas capas se desplazan para exponer un espacio detrás de él, espacio que vuelve a pintar para rellenar los vacíos.

De la segunda copia realiza otra copia para poder trabajar en ella en orden de poder ver la imagen por él mismo en 3D, entonces es cuando comienza a mover cada pieza en forma horizontal, a la izquierda, a la derecha, la acerca a la pantalla o la aleja para poder lograr de manera correcta el efecto.

Prins dice que este método, llamado freeviewing es su preferido para ver imágenes en 3D ya que no requieren ningún dispositivo en especial y como tal, conserva la imagen totalmente original tal como cualquiera lo podría ver en un libro o pantalla. Lo negativo de utilizar algún tipo de lente, es que distorsiona la imagen de una u otra manera, cosa que en la que estoy de acuerdo. Me cae mal que en el cine 3D, las gafas son polarizadas, cosa que no me gusta ya que obscurece demasiado la imagen. El artista admite que es difícil para alguien que no está acostumbrado a hacerlo y lograrlo de manera espontánea, pero la práctica nos ayudará para lograrlo.

Obviamente no todos los cuadros 2D pueden transformarse en 3D. Todo se relaciona a los elementos que conforman una imagen y la planeación que hay detrás para llevarlo a cabo.

Hacer que todos estos elementos por separado y los objetos que no pierdan conexión y relación unos con otros es el verdadero reto.

Impresionante, ¿no creen? Para ver más de su trabajo, pueden visitar su sitio en el que tiene una gran variedad de pinturas en 3D.

Tal vez en un esfuerzo por querer hacer el arte un poco más amigable, el Estudio Bourollec ha creado un especie de campo textil para los visitantes del Museo Victoria & Albert durante el Festival de Diseño Londinense que se está llevando a cabo desde el pasado 15 de septiembre hasta el 25 del mismo mes.

La instalación del campo textil mide 30 metros de largo por 8 metros abarcando 240 metros cuadrados del piso de la galería. Ronan y Erwan Bourollec trabajaron en colaboración con Kvadrat para llevar a cabo toda esta magnífica instalación.

Kvadrat actualmente goza de una posición líder en el mercado europeo de diseño de textiles. Es el principal proveedor de renombrados arquitectos, diseñadores y fabricantes de muebles de todo el mundo, entre ellos, el Estudio Bourollec. Ronan Bourollec y Erwan Bourollec han trabajando alrededor de 10 años. Su colaboración se nutre gracias a las personalidades tan distintas que tienen pero al mismo tiempo las ganas de compartir y provocar un equilibrio en todos los sentidos de manera elegante o fina.

Nuestra intención es proponer una proximidad de manera casual para experimentar de manera libre un ambiente un poco intimidante como lo es un museo. Hemos concebido una pieza textil bastante sensual, colorida y de manera expansiva en la que el usuario puede acomodarse como desee mientras medita rodeándose de la obra de Rafael. Todo mundo puede sumergirse en esta instalación temporal, por minutos, horas o más. Esa es la idea. Sin esfuerzos, si aprensiones, solo contemplación.

Las personas que se han dado cita en el museo han podido disfrutar bastante de esta especie de alfombra de colores. Incluso se ha comentado que hacía mucho que no se veía a tanta gente en el museo al mismo tiempo disfrutando del ambiente y por supuesto de la obra que se presenta.

Esta instalación y la manera en que la gente ha reaccionado ante ella me recuerda mucho a como la gente se conglomera en los parques, los días soleados, para pasar el día ahí de manera relajada pero en lugar de una alfombra textil es una alfombra de pasto.

Tengo algunos cuantos días intentando entrar en tema pero ha sido un poco lenta mi reacción. El arte para mi siempre ha guardado bastantes misterios. Realmente me impresiona la gente que sabe interpretarlo, que lo entiende, que lee entre trazos, entre moldes, entre notas; disciplinas demasiado románticas pero para algunos nos es un poco o muy misterioso.

Pero algo de sensibilidad visual debo de haber desarrollado con los estudios de diseño que he llevado, digo, definitivamente hay cosas que quitan el aliento al momento de verlas, de sentirlas o escucharlas. Esta vez han sido las esculturas de Shayna Leib lo que me han dejado sin palabras. Yo creo que jamás en mi vida había visto a alguien manejar esta técnica que combina color, cristal y ¡textura! Disculpen mi falta de objetividad pero me ha dejado anonadada.

Shayna es una chica a la que la experiencia de ver como manejaban el cristal la marcó desde que tenía 7 años de edad.

Comenzó sus estudios relacionados con el vidrio en la Universidad Politécnica del Estado de California. Terminó su preparación a nivel doctorado en la Universidad de Wisconsin-Madison. Su trabajo ahí consistía en la exploración del objeto escultórico. Shayna utilizaba el cristal, no por su cualidad de mimetizarse como si fuera piedra o plástico, si no por otra de sus particularidades: aunque el vidrio vaya tornándose duro una vez que se está enfriando (obviamente después de haberlo calentado), pareciera que este sigue fluyendo. ¡Cuanta razón tiene! Es una ilusión óptica congelada en el tiempo, según lo describe.

Esta serie que les muestro, es solo una de muchas y distintas obras. Cada pieza tardó alrededor de un mes para ser terminada. El proceso que llevaba a cabo es increíble. Para empezar, calienta segmentos de vidrio para comenzarlos a moldear como si fuera caramelo macizo: estirarlos para producir cordones cristalinos y dejar que se sequen adquiriendo formas al azar. Este proceso lo habrá repetido hasta 200 veces dependiendo del tamaño de la pieza.

Cuando ya conseguía esas hebras, las segmentaba en distintos tamaños y formas y las iba organizando para comenzar alguna de las piezas. ¿Si o no se lee increíble? Un gran trabajo con un resultado que vale totalmente la pena. Cada una de estas piezas parecen tener vida propia, como si fluyeran y el movimiento nunca terminara.

En su sitio pueden observar distintos materiales con los que trabaja, pero el cristal es su fuerte. Ha ganado premios y premios y premios por su trabajo y expone sus colecciones en distintas galerías. Gran artista la verdad.

Definitivamente esta entrada no es apta para aquellos que temblaron de miedo con las películas de Tiburón. Si su más grande pesadilla es un tiburón tratando de comerle las piernitas, ¡alto, no siga más! Mucho más por que las imágenes aquí mostradas son del tan mencionado hiperrealismo.

El hiperrealismo es una tendencia de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical. El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con la más posible fidelidad, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

Roberto Longo es un muy buen exponente del hiperrealismo. Actualmente está montando una obra llamada Perfect Gods en la galería Margo Leavin ubicada en Los Angeles. En esa exposición muestra a los temidos tiburones de una manera impresionante, como si de fotografía en blanco y negro se tratara pero el twist más impresionante es que están hechos a base de pura tiza, es decir, vil gis sobre superficies negras. ¡Impresionante! ¿No creen?

Robert Longo, originario de Nueva York ya ha tenido grandes exposiciones en diferentes partes del mundo como en el Museo de Arte Contemporáneo de Chigaco, el Museo de Arte Isentan en Tokio. Es bastante reconocido en España, Alemania, Italia y París entre muchos otros países. El actualmente reside junto a su esposa y sus tres hijos en Nueva York donde se inspira la mayoría del tiempo para lleva a cabo sus obras.

Si desean ver más de su trabajo, que como les menciono, mayormente se expone en Nueva York, pueden visitar su sitio en donde a demás expone varias participaciones para afiches de teatro de películas independientes.

En Monkeyzen ya les hemos mostrado varios ejemplos de otros artistas como Pedro Campos o Alexa Meade que manejan el hiperrealismo en distinto tipos de técnicas.

Ghostpatrol es un ilustrador de Melbourne Australia. Es un artista autodidacta. También ha desarrollado el arte de plantilla y con ello llevó la distribución de sus creaciones a todo el mundo. Estas son las técnicas que domina: dibujo, tinta fina, arte callejero, murales, escultura, entre otras. .

Para Ghostpatrol no solo se trata de dibujar, si no de crear mundos. Su obra a menudo hace referencia a la nostalgia de su infancia y la cultura pop. Le gusta jugar con matices bastantes siniestros pero tratando de ser juguetón.

En la galería que montó sobre estas agrupaciones de lápices se puede ver o se puede notar fácilmente que quiere decir con estos tipos de matices con los que le gusta trabajar. Personalmente creo que son ilustraciones bastante delicadas y bonitas, aunque lo más original se me hace la superficie en la que lo trabaja. Su técnica creo que ya ha sido algo explotada, ¿o ustedes que opinan? A mi si me impresionó bastante la colección de obras, por así decirlo, de esta técnica que ha desarrollado sobre los lápices. Esta galería se compone de más de 30 obras que pueden encontrar completamente en su cuenta de flickr.

En el sitio oficial de Ghostpatrol se puede apreciar bastante de su trabajo que como les digo es bastante agradable y muestra una gama muy extensa de los murales y pósters en los que les digo que trabaja. A demás de las galerías en los que actualmente está exponiéndose. Al parecer es un artista muy aceptado en su localidad y alrededores.

Espero eso si que todos esos lápices que utiliza, sean reutilizados y aunque formen parte de bonitas piezas de arte, odiaría que fuera material que no se aprovechara en alguna otra cosa, pero eso es mi opinión personal, ¿ustedes que opinan? Sería interesante discutir que tanto se puede “desperdiciar” algún tipo de material en pos del arte.

En Monkeyzen hemos visto mucho ejemplos de obras artísticas en los que se utilizaban otros materiales para convertirlos en lienzos no convencionales. En muchos casos, se trataba de elementos reutilizados, como es el caso de los retratos en disquetes blandos, obras surrealistas en chicles enganchados al suelo o incluso estas viajas palas esculpidas. En este caso, se trata de utilizar otro elemento en desuso, como son los tapacubos de coches viejos, para crear obras artísticas en una obra colectiva.

Se trata de The Landfillart Project y la intención de este proyecto colectivo, ideado por Ken Marquis de Pensilvania, es pensar en la cantidad de resíduos que la gente genera y, por lo tanto, se utilizó un elemento como los tapacubos para transformarlo en una pieza única de arte eco-friendly.

Ken Marquis, el artífice inició este proyecto, Landfillart Project, 3 años atrás, intentando convencer a distintos artistas de todo el mundo para que recolectaran tapacubos de las ruedas de coche y les dieran ese toque diferencial y exclusivo, convirtiendo así, un residuo con ningún futuro con una pieza digna de exponer en un museo de arte. Después de todo este tiempo, Marquis ya lleva recolectados 800 tapacubos artísticos, realizados por artistas que han querido colaborar en la causa.

En total, quiere obtener 150 tapacubos más y completar su colección de tapacubos a principios del 2012 y convertirse así en todo un coleccionista de arte. Si os apetece colaborar en el proyecto como artistas y comunicaros con KEn, podéis visitar la página web de Landfillart Project. También os recomiendo que leáis esta entrevista en Art Daily para conocer más a fondo la iniciativa de este coleccionista de tapacubos.

Ahora si, yo creo que a más de uno les va a dar el tramafac con esta noticia que les traigo y no precisamente por que sea súper original, única y sorprendente, que la verdad si lo es, si no por que sabemos que hay mucho fanático del manga suelto por ahí, créanme, yo me considero un poco fanática del anime, pero cuando le platiqué a mi hermana, que es fanática del manga, casi termina indignada conmigo. Yo le digo que no se enfade conmigo, si no con el artista japonés Koshi Kawachi.

Koshi Kawachi, para una de sus obras o sus galerías, decidió que era buena idea tomar un buen numero de mangas viejos y usarlos como macetas para hacer crecer brotes de rábanos. ¿Es posible esto? ¡Vaya que si! Kawachi lo ha demostrado, aunque no estoy segura de donde la planta se alimente. Supongo yo que llegados a ciertos tamaños, deben ser trasladados a lugares donde si puedan sobrevivir. En el mismo manga las riega y las hojas de papel absorben la humedad que sirve para que el brote no se seque.

Este proyecto me recuerda mucho a aquellos días de preescolar en donde nos obligaban a llevar un recipiente pequeño de cristal, algodón y frijoles para hacerlos crecer, ¿a poco no? Y pobres de nosotros si no llegaba a sobrevivir el pequeño frijol. Nunca supe donde terminaban todos esos plantíos que tan amorosamente criábamos por unos cuantos meses.

Muy bien entonces fanáticos del manga, si ustedes también se sienten devastados por la noticia, pueden visitar al artista en su sitio de Internet y reclamarle directamente por que comente semejante atrocidad que la verdad es una manera hasta original de tener un bonito decorado en algún tipo de galería o jardín muy zen. ¿Ustedes que opinan? Sería bueno tomar las revistas porno de nuestros hermanos mayores y usarlas de macetas.

Como les mencionaba alguna vez, el hecho de desarrollar piezas artísticas no solo se limita a los métodos tradicionales como el acrílico o la acuarela o algún material por el estilo. Este es el caso de Scott Gundersen que a demás de diseñador es un artista plástico.

Actualmente radica en Chicago y su trabajo está bastante agradable. Muchos de los retratos que realiza han salido en televisión. ¿Y por que tanto alboroto? Pues por que trabaja con miles y miles y miles de corchos para botella de vino.

El proceso de su trabajo es sencillo, por así decirlo. Primero que nada, hace un retrato a gran escala. En el caso de su proyecto Grace, el boceto era de 66” x 96”. Después comienza a separar las tonalidades de los corchos para ir logrando el efecto de profundidad y relieve en el retrato, como en la copia de Van Gogh, ¿recuerdan? Ya después va posicionando los corchos correspondientes a cada zona para ir dándole forma a toda la obra. Para Grace, se utilizaron 9,217 corchos y tomó alrededor de 50 horas para poder terminarlo todo.

Actualmente, no se si ustedes lo hayan notado, muchas tapas de corcho de los vinos han sido sustituidos por tapones de plástico. Esto es por que los bosques de corcho han comenzado a escasear un poco y pueden llegar a ponerse en peligro. Scott Gundersen ha querido rescatar un poco de este material para integrarlo en piezas de arte y así, en lugar de ser desechados, puedan ser reutilizados o integrados en algún otro objeto que bien vale la pena.

Scott no solo ha dado vida a Grace, también ya cuenta con otros retratos pero tal vez no tan impactantes como este proyecto. No dejen de visitar su sitio que es bastante agradable y donde muestra con videos el proceso de creación de ‘Grace’ tanto desde el boceto como el posicionamiento de cada corcho. ¡Espero lo disfruten!

Probar con distintos materiales para crear piezas de arte se convierte un must cuando el artísta necesita o siente la necesidad de sobresalir de lo convencional y miren que no digo que lo convencional sea malo. Hay otros artistas que simplemente el hecho de experimentar con otro muchos o ciertos tipos de mecanismos para crear es lo que los motiva y los inspira.

Lo que les presento aquí no es precisamente una innovación en cuanto al resultado obtenido después de “crear”, por que en realidad solo se intentaba copiar el famoso auto retrato de Van Gogh, pero la técnica, ¡oh, la técnica! Eso si que ha sido un método muy distinto: crear arte o copiar arte con un robot y vino, ¿ni se lo imaginan verdad?

Como parte de la campaña publicitaria de la Bodega Navarro Correas, la agencia Alpha 246 de Leo Burnett, ideadron un mecanismo bastante peculiar donde la misma gente que iba pasando, podía participar en la construcción de este muro artístico por medio de su celular. Cada vez suena más loco, ¿no?

Creamos un Mecanismo robótico automatizado sobre una estructura de 4x2.5 mts donde se encontraban 1000 celdas de acrílico que serian llenadas con 6 tonalidades diferentes de vino, las personas podían pedir una casilla a través de un mensaje de texto así el robot podía llenar cada casilla, al final las personas pudieron recrear el auto retrato de Van Gogh y construir una obra de arte con otra obra de arte, nuestro vino Navarro Correas.

Chequen el video donde todavía se entiende mucho mejor lo que quisieron decir:

Algunos puntos que me encantaron de este proyecto fue por ejemplo las tonalidades que se obtuvieron a partir de la disolución del vino de la casa y así poder ir dando el efecto de tintas en cada uno de los acrílicos, a demás, el hecho de que la gente participe de manera tan vehemente en una actividad así lo hace todavía que adquiera un valor muy interesante. ¿Vieron como al final todos aplaudían? Simplemente genial.

Algo que se me viene a la cabeza es que este tipo de muros se pueden recrear una y otra vez pero con distintas piezas de arte, por lo mismo no dejaría de ser interesante por un buen tiempo como debe serlo una buena campaña de publicidad.

¿Qué les ha parecido? Ingenioso, ¿no?

No es la primera vez que hablamos de versiones de Mi Pequeño Pony, en Monkeyzen, ya hablamos de Mari Kasurinen y sus esculturas que convertían cada poni en personajes de ficción tan conocidos como Jack Sparrow o Batman. Y es que últimamente, My Pequeño Pony está por todas partes. Sólo tenéis que seguir el Tumblr Fuck yeah MLP para estar al día de todo lo que tenga que ver con estos populares muñecos de los años 80. El caso es que cada vez encontramos más apariciones de este juguete de Hasbro que más tarde versionaron en serie de televisión (yo fui víctima de esos dibujos animados y tengo que reconocer que My Little Pony continua gustándome).

En este caso, se trata de modificar la forma original de este juguete y humanizándolo. Esto es lo que consigue Jason Freeny cada vez que elabora la anatomía de algún personaje o juguete emblemático. Muchas niñas se escandalizarían al ver Mi Pequeño Pony partido por la mitad y con los huesos al aire, pero también es una forma de convertirlo en un ser real.

Jason Freeny se ha hecho popular por desvestir y darle la condición de seres vivos a los juguetes. Mi Pequeño Pony no es el único a quien le hemos visto el esqueleto, en Monkeyzen ya vimos una vez a Mario Bros al desnudo y otras figuras populares, pero también es capaz de convertir a Hello Kitty en un feto. Podéis pasaros por la web de Jason Freeny para ver su obra, en la que encontraréis desde la anatomía de algunos muñecos hasta un cerebro en forma de cubo de Rubik. También podéis visitar su Facebook para ver todo el proceso de creación de sus esculturas. Incluso podéis comprar merchandising de su trabajo a través de su web.

De acuerdo a las declaraciones de algunos de los miembros del grupo, la ventaja y al mismo tiempo el mayor desafío que enfrentan, es la construcción de las marionetas, ya que éstas no posee una estructura sólida o fija. En las presentaciones, los personajes doblan su cabeza y por un segundo hacen creer al público que están vivos, pero son terriblemente difíciles de controlar, tanto por su tamaño, como por la inestabilidad que les brinda estar flotando en el aire.

Desarrollar una nueva puesta en escena le toma al grupo varios años de planeamiento y trabajo. Para su último show, que lleva por nombre Big Bang y cuenta la historia del origen del universo, se tomaron cerca de tres años en perfeccionar el concepto y construir los títeres. Con las marionetas se empieza por un diseño digital que posteriormente se traslada a tela, se corta en cientos de piezas que se cosen, pintan en colores brillantes y por último, se inflan con helio. Todo esto antes de poder ser probadas en escena.

Durante las representaciones de Les Plasticiens Vloants, que están basadas ​​en cuentos populares o bien, en historias inventadas por el grupo, los adultos hacen un viaje a su infancia, mientras que los niños disfrutan maravillados de las criaturas gigantes que vuelan sobre sus cabezas. A juzgar por el vídeo a continuación, el resultado final con la iluminación y la respectiva musicalización de la obra, es un espectáculo digno de admirar. Comparable quizá con La ópera en el Lago del Festival de Bregenz y sus increíbles escenarios. Ambos verdaderas obras de arte escénico.

A veces nos puede llegar a tomar algunos años para darnos cuenta que poseemos ciertas habilidades que no cualquiera puede llegar a hacer. Otros más afortunados saben desde el principio el qué, el cómo y en dónde. Enhorabuena por aquellos. Yo creo que este artista plástico, no tan plástico es uno de ellos. Estudiado en el ESAG de Paris, trabajó como diseñador gráfico por bastante tiempo. En 1990 comenzó a esculpir y desde entonces ha tenido mucho reconocimiento. Ha montado un número bastante grande de obras tanto en conjunto como en solitario teniendo gran auge. Actualmente vive y trabaja en Rennes y a parte de seguir con sus creaciones, enseña en la escuela de arte LISAA.

Edouard Martinet transforma día a día los objetos que encuentra en los mercados de pulgas y ventas de partes de autos en verdaderas piezas de colección. Como se pueden dar cuenta trabajo con materiales que probablemente ya muchos consideren como deshechos basura. Entre estos materiales, podemos encontrar trastos de cocina viejos, de esos de peltre o de acero probablemente ya muy oxidados, teclas de viejas máquinas de escribir, faros de automóviles y otro tipo de materiales de este tipo.

Para que se sorprendan un poco más, estas esculturas están hechas sin tener que usar técnicas de soldadura ni nada por el estilo. Edouard hace que cada pieza vaya encajando perfectamente para crear piezas increíbles de todos estos animales e insectos.

El proceso es sencillo, según dice él, por que hasta para armar un rompecabezas se necesita más talento del que uno cree. Primero que nada va poniendo las piezas e intentar organizarlas un poco. Cada parte va siendo ensamblada de manera cuidadosa y obviamente después de un proceso de bocetos detallados lo más que se pueda. Por supuesto que cada pieza o cada escultura toma bastante tiempo para poder lograr ese detalle tan increíble que ha podido desarrollar

¿Qué les ha parecido? A mi se me ha hecho increíble. La pieza que he seleccionado como favorita es la de la Mantis Religiosa, ¡está increíble! Y sigue sorprendiéndome el hecho de que no haya utilizado ningún tipo de soldadura. En su sitio pueden encontrar más animales e insectos bajo esta misma técnica.

La artista de Massachusetts consigue coloridas figuras que podrían parecer más un ser vivo que habita en las profundidades de mar, como anémonas o esponjas marinas, más que un sencillo invento producido masivamente para el hombre. Su trabajo se inspira en temas vinculados con la naturaleza tales como el calentamiento global, paisajes topográficos y enfermedades, además, el hecho que reutilice un material de plástico denota la preocupación de Annie hacia en medio ambiente.

Las posibilidades de crear arte con pajitas son enormes. En el caso de Annie, aprovecha las longitud de este producto para cortar los trozos a su gusto. Sin embargo, la colección Varnot de Annie Boyden no es más que otro ejemplo de lo que podemos hacer reutilizando pajitas. Esta lámpara tan colorida es un ejemplo de ello y es que si se dispone de una gran cantidad de ellas, se pueden utilizar para crear objetos de decoración.

Mientras no nos acostumbremos a utilizar _pajitas hechas con material biodegradable (seguro que existen), tendremos que buscarnos maneras para deshacernos de ellas sin tener que lanzarlas a la basura. Annie Boyne ha encontrado una forma, aprovechando su creatividad. Podéis conocer el trabajo de esta artista en su web y ver algunos ejemplos de su obra en la galería de imágenes de este post.

En este caso, no se trata de ningún artista en concreto, si no más bien de una iniciativa espontánea y colectiva, sin ningún nombre detrás. La idea consiste en divertirse en el trabajo, compitiendo entre los mismos compañeros de oficina que trabajan en plantas distintas a base de dibujos hechos con post-its. Todas estas guerrillas en fachadas de edificios de oficinas quedan recogidas en la el blog Post-it War, en el que podréis ver una gran variedad de obras.

¿Os imagináis pasear por el barrio de negocios de vuestra ciudad y encontraros las ventanas llenas de space invaders, Mario Bros, Agry Birds o cualquier personaje transformado en 8-bits? Esto es precisamente en lo que consiste Post-it War, pequeñas guerrillas de empleados de oficina que compiten entre ellos para ver quien es más original a la hora de jugar y crear __arte con los post-its.

Quizás una de las más espectaculares, es esta creación de Project Lune en homenaje a Las Aventuras de Tintin, en el que distintos empleados de un edificio de oficinas utilizaron distintas plantas para llevar a cabo su dibujo de 8-bits hecha con post-its. Podéis ver más ejemplos de guerra de post-its en oficinas en el sitio web de Post-it War o en la galería de imágenes de este post.
Si os animáis, podéis declarar la guerra a vuestros vecinos de planta y enviar las imágenes a Post it war para que os las publiquen en su Tumblr.

Estas dos propuestas no son las únicas que han utilizado los post-its para hacer algo más que dejar anotados algunos recordatorios o variar su formato de una forma creativa. En Monkeyzen hemos visto ya algún ejemplo en el que el post-it es el protagonista y, aunque sea trate sólo de un papel con pegamento, la variedad de ideas originales es muy amplia. Pero la notoriedad de la marca de calzado brasileña Melissa (de la que también hemos hablado en distintas ocasiones en el blog).

Para presentar su nueva colección 2011-2012, Melissa ya querido realizar una acción de lo más espectacular que consiste en crear una instalación en su galería de Sao Paulo forrando toda una sala con 350.000 post-its, creando un estampado más que colorido que describe a la perfección el nombre de la nueva colección: The Power of Love. Se necesitaron cinco meses de trabajo con 25 artistas distintos que colaboraron en la acción. En total fueron 30.000 las personas que se acercaron a ver la gigante obra. Alguno de ellos incluso se atrevió a escribir en los post-its.

Sin duda se trata de una acción notoria. Me hubiera encantado visitarla y es sorprendente ver lo que se puede llegar a hacer con un objeto tan simple como los posts-its. Podéis pasaros por la galería de imágenes para ver más detalles de esta instalación de Melissa. También podéis ver, el paso a paso en este stop motion de la acción. La única duda que me queda es saber qué harán con tanto papel cuando tengan que desmontar la exposición.

La artista y diseñadora gráfica, Jessica Kerbawy, originaria de Michingan, ya me ha ganado por mucho la idea al grado de aplicarla a bonitas piezas de arte. Jessica ha estado haciendo estos cuadros simplemente alineando varios crayones de colores y derritiéndolos con una secadora de aire caliente.

Esta obra por ejemplo, contiene varios crayones que son acomodados de acuerdo a su matiz y tratando de emular un poco el arco iris, para crear un gama completa de color pero con cera. ¿Si o no se ve increíble? Los crayones de colores se alinean y se funden sobre un tablero con una pistola de calor o secadora, así nuestra diseñadora tiene más control sobre el grado de calor que quiere utilizar. El resultado es una línea bien definida y texturizada de cera coloreada parecida al goteo de pintura acrílica. Por último, se le agrega una capa de poliuretano para proteger un poco la obra de la luz del sol, ya que esta puede dañarla.

Las dimensiones de esta obra son de 16 “x 20” x 1” con su respectivo marco incluído.

JK, tiene una colección muy amplia de este tipo de trabajo. En el sitio de Etsy podemos encontrar bastantes piezas que van desde unos $17.00 Euros hasta los $70.00. Claro, tiene que ver el tamaño y el marco que le pone a cada obra cosa que se me hace de lo más práctico.

Esto me ha inspirado señores, yo hace tiempo que quería derretir crayones, ahora sera mi turno y ¿quién sabe? ¡A lo mejor innovo en el arte del crayón derretido!

Este proyecto es un híbrido entre una bolsita de té convencional y los típicos tapetes de ganchillo que nestras abuelas hacen a mano en sus ratos libres y que acaban encima de la mesa o del televisor. En este caso, la diseñadora Anna Zofia Borowska ha querido dar un toque de originalidad a estos tradicionales artículos de ganchillo y convertirlos en sofisticadas bolsitas para té.

Como ya hemos comentado anteriormente, cada vez hay más creatividad en un objeto tan simple como el té dispuesto en bolsitas ya preparadas para hundir en el agua. En Monkeyzen hemos visto algún ejemplo de ello, desde un divertido cubo de Rubik, pasando por bolsitas de origami, personajes famosos] hasta bolsitas de té mágicas.

En este caso, la creación de esta diseñadora polaca, es sólo una obra de arte, no apta para su uso. De lo contrario, si se tratara de packaging, estas elaboradas teabags, serían un producto de lo más caro, teniendo en cuenta la gran cantidad de bolsitas que se desechan una vez las hemos utilizado y que, en el caso de la obra de Anna, cada pieza está elaborada artesanalmente.

Se trata de la instalación Nordkreuz que el artista urbano berlinés creó para el festival MS Dockville en Hamburgo. Sin duda, esta creación es una auténtica ciudad en miniatura, en la que los edificios aparecen camuflados debajo de la hierba, como si de un tejado de turba se tratara. En esta ciudad de Evol, las calles, están hundidas entre la hierba y los visitantes pudieron pasearse por ellas, esto si, en condición de gigante, ya que los edificios no medían más que 1’5 metro.

Con Nordkreuz no es la primera vez que hablamos de Evol, ya os enseñamos otra intervención de este artista urbano berlinés cuando hablamos de arquitectura camuflada en Berlín. Si queréis descubrir más rincones de esta ciudad rural, os recomiendo que echéis un vistazo a la galería de imágenes de este post. Es cierto que la fotografía ayuda a pensar que se trata de edificios y una ciudad verdadera, no sé si en persona también causa esta impresión.

El caso es que la autora se caracteriza, para el que no la conozca, por crear instalaciones que en realidad son réplicas a gran escala de juguetes y animales, y todo esto en lugares muy públicos. El conejo en cuestión está en el centro de la ciudad, y cuestiona el propósito del espacio público.

Hofman colocó la escultura como si hubiera caído desde el cielo, descansando en frente del monumento Engelbrekt.

Hofman trata de preguntar al público:

“¿Cuál es el uso y la finalidad del espacio público?”

La construcción del muñeco gigante requirió la ayuda de 25 artesanos de la zona que se ofrecieron voluntariamente para el proyecto. Hofman considera esto vital en sus instalaciones, por lo que las personas involucradas se sienten como si fueran parte de la obra de arte. La estructura fue construida con tejas de fabricación nacional, una armadura de madera, concreto y metal.

Ésta es la tercera edición ya del openART, que se cuestiona el cambio en el paisaje urbano. En ella, más de 50 artistas de todo el mundo muestran sus obras durante 100 días.

Lo mejor de este tipo de exposiciones es que te puedes encontrar el arte donde menos te lo esperas, y todo esto en una de las ciudades más bonitas del mundo.

Más expos en Monkeyzen como de arte comestible.